Baptiste Le Cloarec

Après deux articles déjà publiés traitant à la fois de la relation entre les danses jazz¹ et hip-hop, mais aussi des processus créatifs en danse^2, cette chronique vient clore ce triptyque réflectif s’inscrivant dans une recherche doctorale portant sur La transmission de la danse jazz aujourd’hui en France. Après avoir abordé des points historiques, des relations actuelles entre esthétiques et la création en danse jazz, il était important de créer un focus sur les acteurs fondamentaux de l’art chorégraphique : les danseurs et plus spécifiquement ceux en danse jazz. 

Si parfois la carrière d’un ou d’une danseuse est attachée à un seul lieu durant sa vie d’artiste^3, pour la majorité d’entre eux et surtout en danse jazz, la réalité est toute autre. Ceci est dû au régime de l’intermittence du spectacle qui pousse souvent à partir en quête des 507 heures obligatoires⁴ selon l’annexe 10 pour les artistes du spectacle vivant. Aussi, cette esthétique est peu (pour ne pas dire pas) attachée aux scènes conventionnées⁵. Elle fait davantage partie du monde du divertissement et ce depuis le début de sa structuration⁶.« C’est aussi un choix de carrière, une volonté d’explorer et d’aller d’expérience en expérience à l’image de la danse qui demeure dans un mouvement perpétuel.” Véritable caméléon de la danse, Baptiste Le Cloarec, artiste chorégraphique, professeur diplômé d’état en danse jazz (Certificat d’Aptitude en cours de validation), nous éclaire sur le sujet de par son expérience.

Le métier de danseur (jazz) à partir d’une formation pluridisciplinaire et d’une filiation assumée 

Bien que cela ne soit pas encore acquis dans tous les esprits, être danseur, artiste interprète, est un véritable métier, une activité professionnelle à temps plein. Ce sont les artistes qui fleurissent et investissent les scènes nationales, théâtres privés, spectacles d’animation, les clips ou encore les plateaux télévisés. Ils nous permettent de ressentir des émotions par sensibilité kinesthésique⁷ par le médium du corps. Ils nous transportent soit dans des histoires imaginaires, soit en nous mobilisant autour de sujets de société actuels toujours dans une envie de rassembler et de questionner.

Si nous nous approchons de la fiche ROME⁸ – Métier de la danse L1201 – voici la définition donnée : “ Conçoit et/ou interprète des œuvres chorégraphiques […], selon le projet artistique défini par une école, une compagnie de danse et les impératifs de programmation. Ce métier est accessible avec une formation en danse […] complétée par une expérience professionnelle dans un ou plusieurs genres chorégraphiques”.⁹

C’est le chemin qu’a suivi Baptiste Le Cloarec. Vannetais d’origine, né en 1992, il a débuté par des cours de danse en Bretagne au sein d’une association, puis dans une école privée, avec des professeurs de danse jazz issus de la lignée française Mattox, influencé par le travail de Bruno Collinet, Bruce Taylor, Wayne Barbaste et Alain Gruttadauria. Tout au long de sa formation amateur, Baptiste Le Cloarec a aussi été accompagné par Lhacen Hamed Ben Bella et Cathy Bisson¹⁰, professeurs intervenant régulièrement auprès de la compagnie amateur de son école dont il faisait partie. Tout ceci avant d’arriver en formation professionnelle aux métiers du danseur à EPSE Danse¹¹, créée et dirigée par Anne-Marie Porras¹². Une formation qui le marquera à vie. Tellement qu’il considère le travail d’Anne-Marie Porras et de son équipe comme sa propre filiation, comme quelque chose qui s’est ancré en lui.

Même si la danse jazz a été son coup de cœur et que cette esthétique est devenue aussi une philosophie de vie de par ses valeurs, il a reçu une formation pluridisciplinaire grâce à l’inculcation des danses classique, contemporaine et jazz. Ceci est assez fréquent dans les centres privés de formation aux métiers de danseur. Même si l’identité de base du ou de la directeur/directrice est souvent associée à la danse jazz, il est habituel que le contenu de la formation soit pluridisciplinaire. En 2013, Baptiste Le Cloarec poursuit sa formation à New York au Peridance Capezio Center, où il s’initie, en partie, à la danse moderne notamment à la technique Limon, dispensée à la Limon School affiliée au Peridance Capezio Center¹³. Il découvre et apprécie également le travail de Marijke Eliasberg et Jana Hicks, qui s’inscrivent dans la lignée de Lynn Simonson, et qu’il considère aujourd’hui comme faisant partie intégrante de son ADN. Baptiste Le Cloarec commence d’ailleurs sa carrière de danseur professionnel en rejoignant leur compagnie, The Next Stage Project¹⁴.

A son retour en France, il s’installe à Paris où il rencontre Martine Curtat-Cadet. Cette rencontre l’enrichit en tant que pédagogue et le familiarise avec la filiation de Matt Mattox ainsi qu’avec l’enseignement de Gianin Loringett, dont elle est issue.

Être danseur avant tout 

À la question êtes-vous danseur ou danseur jazz ? Baptiste Le Cloarec se définit davantage comme danseur avant tout, de part son parcours pluriel. Par contre son état de corps et les fondamentaux en termes de dynamiques corporelles qui le constituent restent jazz. L’esthétique jazz est présente chez lui par son traitement du temps, du poids et de l’espace. De par sa formation pluridisciplinaire et son métier de danseur non associé à une structure fixe, il a exploré différentes esthétiques selon les demandes. Il se définit donc comme un danseur mais avec un état de corps jazz. Mais comment pourrions-nous définir ce corps jazz et en quoi serait-il fondamental au métier ?

Selon Baptiste Le Cloarec, “L’état de corps jazz permet une grande polyvalence et ainsi une aisance pour aller d’une stylistique à une autre. La danse jazz est elle-même un métissage qui la rend plurielle. Ce qui caractérise son état de corps, c’est selon moi, le rapport au poids. On peut être dans l’abandon mais c’est souvent associé à une reprise rapide, une notion de durée où l’abandon est bref. Eliane Seguin¹⁵ évoque l’image du chat, aux aguets prêts à surgir ou à rebondir. Le Corps jazz est également un corps profondément  engagé, incarné et musical.”

Pluridisciplinarité et hybridation

Même si sur les avis d’audition l’esthétique jazz est très souvent référencée et demandée, l’hybridation et la pluridisciplinarité au sein du métier de danseur sont très présentes. Les frontières entre les disciplines étant de moins en moins visibles, Baptiste Le Cloarec a déjà eu à réaliser des projets où les danses jazz et contemporaines – ou d’autres esthétiques – étaient mélangées.  Aussi, le problème de dénomination de la danse étant une véritable question actuelle, les jeunes artistes danseurs s’inscrivent dans un décloisonnement. Ils peuvent changer les noms des danses pratiquées en leur donnant des appellations loin d’un certain académisme : contemporary emprunté aux États-Unis qui s’apparenterait au moderne jazz en France, ou encore Afro hybrid ou Urban Movement¹⁶. Cependant elles restent pour le danseur professionnel associées à un état de corps jazz. Il observe “une manière différente d’aborder le mouvement et la musicalité par la nouvelle génération. Elle est parfois discutable sur certains points mais on ne peut pas nier cela.” Beaucoup de danseurs aujourd’hui rassemblent leur pratique sous le terme de “danse” comme cela peut être déjà le cas dans la création où le mot contemporain ne définit plus le courant de la Nouvelle danse française¹⁷, mais bien une danse actuelle en lien avec notre société.

Aussi, pour Baptiste Le Cloarec il est essentiel d’être en phase avec son époque, notamment quand il s’agit d’aborder le répertoire chorégraphique actuel. Il faut donc naviguer entre la danse contemporaine et la danse jazz. C’est d’ailleurs ce qu’il a traversé au sein de sa formation. Il précise cependant que : “tout dépend des ambitions de chacun. Les contrats et chorégraphes sont pluriels et  hybrides. Par exemple, j’ai dû me diversifier vers les danses urbaines qui ne faisaient pas partie de ma formation initiale et pour lesquelles je n’avais pas d’aisance au départ. J‘ai dû apprendre sur le terrain mais aujourd’hui, je pense qu’il est essentiel que les étudiants sortent de leur formation avec cette polyvalence pour maximiser leurs chances lors des auditions. Les danses urbaines sont de plus en plus présentes dans les contrats qui étaient traditionnellement destinés aux danseurs jazz, et le niveau de maîtrise exigé est aujourd’hui plus élevé. Il faut savoir se diversifier. J’ai d’ailleurs pu danser du tango, des danses de caractère, de la valse, … on n’en devient pas expert mais on sait s’adapter à un style et vite comprendre les dynamiques et les formes nécessaires.”

Il fait facilement des analogies avec les danses abordées dans ses contrats et la danse jazz. C’est le cas avec le Bollywood et Jack Cole¹⁸ – considéré comme le père de la danse jazz – qui a beaucoup étudié le Bharata Natyam. Concernant les danses urbaines, le rapport aux dynamiques, les isolations et la musicalité sont proches du jazz, plus particulièrement du street jazz. Par contre, le flow, le style changent. Baptiste Le Cloarec a pu aussi traverser lors de ses expériences la stylistique de Bob Fosse mais aussi l’afro jazz ou les claquettes avec une vélocité du bas de jambe présente également en jazz.

Avec sa formation jazz, il n’a pas eu de mal à passer d’une esthétique à une autre. À savoir que beaucoup des disciplines qu’il a pu traverser lors de ses contrats, rappellent toute la palette rythmique présente en danse jazz. Cette palette rythmique est d’ailleurs abordée en formation au diplôme d’État de professeur de danse. Ceci a été un outil lui permettant de s’adapter. Il témoigne : “le fait d’avoir passé mon D.E assez tôt a eu ses avantages et ses inconvénients. Je crois que ma formation en pédagogie a développé ma capacité d’analyse et m’a familiarisé avec la palette rythmique jazz.” Pour rappelle Baptiste Le Cloarec a obtenu son diplôme d’État à EPSE Danse avant d’amorcer sa carrière de danseur professionnel, et ce à 20 ans.

Quelle place pour le danseur issu du jazz dans le milieu professionnel ? 

De son point de vue et de par son expérience, il avoue n’avoir jamais eu de souci pour travailler même en ayant un fort bagage jazz. Il réussit à obtenir son statut avec le double d’heures demandées. Il évoque de nombreuses offres d’emploi, tant que le danseur est polyvalent et ouvert à différentes esthétiques. Bien évidemment, il évoque la précarité de ce statut avec parfois l’acceptation de dates que l’on pourrait nommer  “alimentaires”. Il souligne une appréhension en début de carrière de pouvoir rassembler le bon nombre d’heures afin d’accéder à une certaine stabilité.

Cependant, ces contrats sont davantage associés au divertissement qu’à la danse dite “savante”. Il a abordé ce contexte de travail “savant” uniquement lors de son expérience new-yorkaise et en formation. Le reste du temps il a effectué davantage des terrains grand public ou commerciaux, en lien avec la comédie musicale, l’événementiel, la télévision, les tournages de clips ou de films, ou encore à Disneyland Paris… Ces rares expériences avec les institutions, ont été avec les Opéras de Rouen ou de Lausanne. Il souligne “qu’un danseur jazz désirant travailler en dehors du secteur du divertissement, peut se retrouver dans une situation financière malheureusement complexe s’il reste uniquement associé à cette discipline ou s’il ne se diversifie pas, par exemple en enseignant. Cependant il avoue “avoir trouvé parfois du savant dans des contrats commerciaux ou destinés au grand public, ce n’est pas binaire. Ce fut notamment le cas pour Shadowland, un passage chorégraphié du spectacle Le Roi Lion à Disneyland Paris, où, à mon sens, au-delà de la narration, il est possible d’avoir une lecture questionnant notre lien avec notre planète, la biodiversité et l’écologie. De même, dans la comédie musicale, Notre Dame de Paris, on peut observer une critique sociale, notamment à travers les tableaux “Les sans papiers” ou “La cour des miracles”. Je l’ai vécu comme ça en tout cas, et ça a participé à donner du sens à ma danse et à mon métier. L’un peut se nourrir de l’autre.

Les atouts d’un corps formé “jazz” 

Tout comme Baptiste Le Cloarec, beaucoup de danseurs issus notamment d’une formation jazz arrivent à trouver du travail. Soit dans le milieu du divertissement soit en étant employés par des chorégraphes associés à la danse contemporaine. Pour ne citer qu’eux, Jean-Claude Gallotta, Angelin Preljocaj ou encore Cathy Testa ont employé souvent des danseurs issus de cette esthétique de part leur formation. Ils le font notamment pour leur construction corporelle mais aussi pour leur musicalité.

Le danseur professionnel, de par sa prise de recul sur son expérience, a observé que : “ La danse jazz, de par son exigence technique et son rapport à la musicalité ainsi que sa vivacité, favorise à mon sens une optimisation de la vitesse d’apprentissage du danseur. Cette caractéristique est très appréciée sur les contrats, car dans le domaine du divertissement, issu de productions privées, le temps alloué à la création est souvent limité. Nous devons être efficaces, nous sommes guidés par l’idée d’une rentabilité puisqu’il n’y a ni subvention ni soutien financier pour nous accorder plus de temps.”

Le fait de n’avoir jamais eu de difficultés pour trouver du travail n’est pas réservé à Baptiste Le Cloarec. Il y a beaucoup de danseurs dans ce cas : “en continuant à me former et à développer un regard critique et analytique, j’ai identifié qui je suis, ma filiation, mon organisation corporelle. Les formations D.E et C.A apportent une pratique réflexive sur notre danse et ce que nous sommes. Cependant beaucoup de mes collègues danseurs sur le terrain n’ont pas identifié, conscientisé ou porté un intérêt à cela. Je pense qu’ils se considèrent plus comme des danseurs, sans étiquette et n’envisage pas forcément une reconversion vers la pédagogie. Tous mes collègues sont pratiquement passés par une formation qui contenait la pratique de la danse jazz. Ils n’ont pas de souci à trouver du travail. On se retrouve sur des contrats et on se rend compte que beaucoup ont été formé chez Rick Odums¹⁹, Anne-Marie Porras, Choréia ou à l’AID²⁰ de part la passerelle avec la vie pro avec CFA²¹…” 

Catégoriser les danses et la danse de divertissement ou savante : un problème ? 

Pour Baptiste Le Cloarec “ il est important lors des formations pédagogiques d’identifier ce que l’on fait, la filiation que l’on transmet, nos racines, d’où l’on vient. Mais au sein du métier de danseur il y a une telle hybridité que c’est compliqué parfois de nommer. Il reste cependant dubitatif au fait qu’une danse soit aujourd’hui complètement jazz ou contemporaine suite aux différentes fusions passées et influences actuelles.

Il faut cependant savoir qu’il y a selon Baptiste Le Cloarec une danse jazz française reconnue et très appréciée notamment aux États-Unis et au Canada : “Il y a des aspects négatifs à cloisonner, mais je constate que de par mes expériences à l’étranger comme en Suisse, en Espagne, en Corée du sud, qu’il y a un style français unique. Il y a une identité de la danse moderne jazz française.”

Concernant la question de la danse de divertissement ou la danse savante, le danseur professionnel n’aime pas ce terme de “savant”. Pour Baptiste Le Cloarec :  “c’est comme si c’était vulgaire, léger ou sans fond de travailler dans le divertissement, alors que j’assume complètement le fait d’aimer les deux. J’ai un certain plaisir à travailler dans le divertissement malgré certains mauvais jugements. D’ailleurs pour certain la RB Dance Company s’inscrit plus dans ce milieu. Le pièce Stories, à mon sens, à sa place au sein des scènes nationales d’autant plus que l’on évoque aujourd’hui beaucoup l’idée de démocratisation culturelle dans l’enseignement, quand est-il au niveau de la diffusion ? Le spectacle fait partie du paysage actuel, il connaît un certain succès et il est salué par la critique tant il est qualitatif. Je trouve dommage de segmenter les choses.”

Aussi, les chorégraphes contemporains sautent de plus en plus le pas d’une frontière à l’autre. La présente recherche doctorale démontre d’ailleurs des relations d’influences réciproques entre les deux esthétiques – contemporaine et jazz. Nous l’observons à la fois dans les processus créatifs mais aussi dans les inspirations, les influences, les états de corps et aussi dans les contextes de diffusion. Par exemple, Yoann Bourgeois a travaillé avec le groupe Coldplay ou encore Sidi Larbi Cherkaoui a chorégraphié la nouvelle version de la comédie musicale Starmania. Une comédie musicale qui se voulait être une dystopie en 1979, mais qui est aujourd’hui le reflet de notre réalité. Des domaines créatifs que les danseurs jazz connaissent parfaitement. Cette étude pousserait à penser qu’une évolution de la perception des œuvres de par les programmateurs serait à envisager afin de décloisonner aussi les programmations pour une meilleure circulation des spectacles et des danseurs, le tout sans aprioris et sans pour autant oublier d’où l’on vient.

Un article écrit par Frédérique Seyve pour Pop’Sciences – 29 août 2024.

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Notes

[1] : Des danses jazz aux danses hip-hop, il n’y a qu’un pas (de charleston) : des racines communes pour des inspirations chorégraphiques multiples, article Pop’Sciences , Frederique Seyve – Mar. 2023

[2] : Processus créatifs en danse jazz, article Pop’Sciences , Frédérique Seyve – Nov. 2023

[3] : Compagnies nationales telles que celle de l’Opéra de Paris, ou encore certaines équipes fixes des Centres Chorégraphiques Nationaux.

[4] : En savoir plus sur le régime de l’intermittence

[5] : Le label des scènes conventionnées

[6] : SEGUIN Eliane, Histoire de la danse jazz, Édition Broché, 2002

[7] : Définition kinesthésique

[8] : Répertoire Opérationnel des Métiers et des Emplois

[9] :  Fiche Rome – L1201 – Danse

[10] : Ce sont tous des enseignants de danse jazz. Matt Mattox, Lhacen Hamed Ben Bella, Alain Gruttadauria, Wayne Barbaste et Bruce Taylor étant chorégraphes de compagnies jazz.

[11] : Epsedanse

[12] : Compagnie Anne-Marie Porras

[13] : Peridance

[14] : The Next Stage Project

[15] : SEGUIN Eliane, Histoire de la danse jazz, Édition Broché, 2002

[16] : Disciplines proposées par le Lax Studio, ecole de danse de références depuis quelques années à Paris.

[17] :  La Nouvelle Danse Française

[18] : Chorégraphe, danseur et acteur américain, Jack Cole est né le 27 avril 1911 à New Brunswick, New Jersey et décédé à Hollywood, Californie le 17 février 1974.Selon le dictionnaire Larousse : “ Il fut l’un des maîtres de la danse jazz, à laquelle il a incorporé le double héritage de la danse classique et des danses ethniques. Il a beaucoup travaillé pour Broadway et Hollywood (Les hommes préfèrent les blondes, H. Hawks, 1953 ; Certains l’aiment chaud, B. Wilder, 1959 ; Kismet, V. Minnelli, 1955 ; les Girls, G. Cukor, 1957).”

[19] : Directeur artistique et pédagogique au Centre International de Danse Rick Odums, de IFPRO et des Ballets Jazz Rick Odums.

[20] : Académie Internationale de la Danse

[21] : Centres de formation des Apprentis

PPour aller plus loin

• Autour de Matt Mattox et du travail de recherche effectué par Carole Bordes : Danser mattox 
• Les chorégraphes en danse jazz et leurs processus créatifs : Processus créatifs en danse jazz, article de Frédérique Seyve pour Pop’Sciences – Nov. 2023
• La terminologie jazz et ses racines communes avec la danse hip-hop : Des danses jazz aux danses hip-hop, il n’y a qu’un pas (de charleston) : des racines communes pour des inspirations chorégraphiques multiples, article de Frédérique Seyve pour Pop’Sciences – Mars 2023.

• La vocation de danseur, Dancer’s Calling, documentaire de Clément Godet avec le Centre Chorégraphique James Carlès : Numeridanse
• Comment transmettre la danse jazz aujourd’hui ?, chronique scientifique « Dis pourquoi » de RCF, avec Frédérique Seyve, en partenariat avec Pop’Sciences, 4 juin 2024.

Vivien Visentin est interprète, chorégraphe de la Cie Accord des nous, enseignant et formateur pour le diplôme d’État, et Frédérique Seyve, Doctorante à l’Université Lumière Lyon 2 – Laboratoire Passages XX-XXI, chargée de développement culturel pour plusieurs compagnies et responsable pédagogique au Centre chorégraphique Calabash, ont tenu à se rassembler lors de cette co-écriture d’article afin de réfléchir ensemble sur les processus créatifs en danse jazz.

Les processus de création… en danse jazz ?

Longtemps décriée, la danse jazz en France est encore trop souvent associée à une danse facile, légère voire totalement dépourvue de processus créatifs. Ces processus peuvent être perçus comme peu recherchés voire inexistants au sein de l’esthétique de la danse jazz. Et d’ailleurs qu’est-ce qu’un processus en création chorégraphique (jazz) ? Zoom sur la création en danse jazz : rencontre et éclaircissements.

Vous avez dit “processus créatifs” ? 

Tout d’abord le mot processus apparu au XVI^e siècle, du latin pro, au sens de l’action vers l’avant, et de cessus, cedere, dans le sens aller, marcher, signifie aller vers l’avant, avancer. Dans sa définition, apparaît la notion de savoir faire : “actions constituant la manière de faire, de fabriquer quelque chose”¹. Ceci nous renvoie à la dimension de la créativité et à l’action de créer dans le temps. Rappelons que la création est l’action de donner naissance, de créer, et renvoie au créateur comme peuvent le décrire Laurence Louppe² ou encore Jacqueline Robinson³.

Nous pensons de prime abord au chorégraphe, agissant comme professionnel dans le secteur de l’art chorégraphique. Celui qui va créer, ordonner, organiser un ensemble de pas, de concepts en mouvement ayant pour finalité une représentation sur scène. Au-delà du simple fait de coordonner un certain nombre de combinaisons corporelles, ce dernier, ou cette dernière, va aussi défendre un propos, une idée et innover. Depuis le début du XX^e siècle, avec l’émergence de courants comme la danse expressive allemande, des formes chorégraphiques dénoncent ou questionnent notre société. Ce fût le cas pour les chorégraphes allemands comme Kurt Jooss (La table verte) ou Pina Bausch.

Ces derniers ont notamment travaillé sur la thématique de la guerre, traumatisés par les deux conflits mondiaux. Ils initieront dans leurs processus créatifs, des gestes et des décors du quotidien.  L’expression humaine prendra le dessus sur la technique, la virtuosité, pour laisser place à l’expression d’une certaine intériorité.

Tout comme l’ont fait ces personnalités fortes de la danse expressionniste allemande, des chorégraphes américains associés à une corporéité⁴ jazz ont aussi su dénoncer les horreurs de l’humanité. Donald McKayle dans Rainbow Round my Shoulder saura par différents mouvements comme les contractions du haut du corps ou des implorations à genoux, traduire la souffrance et l’espoir des esclaves noirs afro-américains. Il ne sera pas le seul : West Side Story, l’une des comédies musicales les plus connues au monde, traduit les problèmes sociétaux d’une Amérique inégalitaire et clivée. Rick Odums⁵, Géraldine Armstrong⁶ parleront également de ces sujets dans leurs œuvres. Néanmoins, il faut bien comprendre que les processus créatifs sont propres – au-delà des esthétiques – à chaque créateur.  L’esthétique jazz en France est très associée au monde de l’enseignement, du divertissement et de la télévision depuis les années 80, mais peu à la création. Aussi, la mode de la fusion des esthétiques actuelles, de la pluridisciplinarité au sein de la création n’aide en rien à sa reconnaissance. Alors que la danse contemporaine ne cesse de puiser dans les danses dites “Pop” (prenons exemple de Lasseindra Ninja ou du collectif La Horde), la danse jazz tente encore d’avoir une certaine reconnaissance au sein de la création. Faisons donc connaissance avec certains chorégraphes qui aiment utiliser cette corporéité pour créer, valorisant ainsi l’’existence de processus créatifs au sein de cette esthétique.

La création en danse jazz : état des lieux 

Comme nous venons de l’évoquer, les chorégraphes en danse jazz ont su aborder différents thèmes au fil des décennies. Ils ont également eu des approches différentes afin de composer et de créer leurs œuvres. Les mises en lumière sur ce répertoire étant plutôt rares, il est essentiel de faire un tour d’horizon afin de pouvoir approfondir ce sujet.

Il faut savoir que des reproches autour de la danse jazz fusent souvent : “frontalité”, “divertissante”, “technicité omniprésente”, “trop plein d’énergie”. Ces aspects négatifs sont souvent associés à la danse jazz en lien avec le divertissement. On observe cependant un réel engouement du public pour ces œuvres comme Stories par la RB Dance Company dirigée par le chorégraphe Romain Rachline, mais aussi pour d’autres spectacles d’un autre genre qui relèvent de ces dispositifs.  Des créateurs – et ce depuis les années 1950 aux États-Unis, puis ensuite en France – on su exprimer un désir créatif pour défendre un propos. Il existe des foyers de résistances portées par des chorégraphes qui se démènent depuis des décennies pour porter des œuvres jusqu’à la représentation. C’est par exemple le cas de Jean-Claude Marignale (Répercussions), Wayne Barbaste et bien d’autres.

Ces personnalités au sein de leur propre compagnie effectuent un travail de recherche réflectif et corporel lors d’un nouveau projet de création. Les influences vont être multiples. Cela peut partir d’une œuvre littéraire. Ce fut le cas pour les Sœurs Brontë de Raza Hammadi au sein du Ballet Jazz Art, créé en 1992. Cette œuvre a donné lieu à un travail de notation du mouvement réalisé par Sylvie Duchesne, et subventionné par le dispositif d’aide à la recherche et au patrimoine de danse en 2010 par le CND⁷.

Patricia Greenwood Karagozian, directrice artistique de la Compagnie PGK, a elle-même été inspirée par six poèmes de la poétesse américaine Charis Southwell pour son spectacle Unfinished Fragments. Hubert Petit Phar, chorégraphe de la Compagnie La Mangrove, située sur le territoire guadeloupéen, a créé Ustium, une pièce traitant de la lutte des consciences. Une recherche inspirée de la théorie de l’existentialisme de Jean-Paul Sartre, et développée en partie dans Huis clos.

Comme évoqué au début de l’article, les sujets sociétaux deviennent très fréquents au sein de l’art chorégraphique contemporain, et donc actuel. Jan Martens⁸ avec Any attempt will end in crushed bodies and shattered bones questionnait en 2022 la résistance, les rébellions actuelles face aux enjeux climatiques et aux mutations sociétales que nous subissons. Sidi Larbi Cherkaoui⁹ présente lors de la Biennale de la danse de Lyon de 2023 Ukiyo-e, pour savoir comment continuer à vivre dans un monde incertain et en déconstruction. Le groupe Grenade porté par Josette Baīz¹⁰, propose en 2019 Baobabs pour montrer à quel point la jeune génération s’interroge sur les questions climatiques.

Il est tout à fait possible de faire la même chose avec une corporéité jazz si le chorégraphe le décide. Ce n’est pas l’esthétique qui permet d’être revendicatif, mais la façon de dire les choses par la danse et selon les envies du créateur. Avec tous les croisements que connaît l’art chorégraphique aujourd’hui, il serait difficile de ne citer qu’une influence ou qu’une seule corporéité.  D’ailleurs HOMME|ANIMAL est au cœur du parcours de la chorégraphe Vendetta Mathea. La pièce est née de son engagement pour la lutte des droits civiques du temps de John Fitzgerald Kennedy aux côtés de Martin Luther King ce fameux jour d’août 1963. Elle interroge ici la nature humaine et sa part d’animalité.

Alors que Bruce Taylor crée I have a dream au sein de sa compagnie – Cie Choréonyx, les discours de Martin Luther King contre le racisme sont revisités par le chorégraphe. Dans la pièce I Have A Dream, Bruce Taylor tente de démontrer l’empreinte que ce moment historique a laissée sur nos corps.

Dans Joy is my middle name, il évoquera la mort de George Floyd et les émeutes qui ont suivi son décès en 2020. Aussi Wayne Barbaste n’est pas en reste sur les questions sociétales au sein de la Compagnie Calabash :  “Les questions sociétales, politiques et culturelles sont au cœur de cette compagnie. Depuis son origine, elle se donne pour objectif de questionner nos sociétés, de mettre en lumière les nombreux  dysfonctionnements et injustices qu’elles engendrent¹¹.”

La danse jazz étant une danse faite pour et par l’humain, certains artistes se sont aussi interrogés sur les cultures. James Carlès aime interroger la diaspora africaine en occident du 19^e siècle à nos jours. Ainsi dans Coupé Décalé en 2014, le chorégraphe travaille autour de cette danse traditionnelle, mais aussi de toute une culture. Il s’entoure pour cela de Robyn Orlin. Cela nous rappelle la relation à un certain héritage africain au sein de la danse jazz.

Anne-Marie Porras dans Fils du Vent évoquera le rapport de entre la communauté gitane et la musique.

Pour finir cette liste non exhaustive, certains créateurs s’inspirent même de la technique de certains grands maîtres et font donc le lien entre pédagogie et création. En effet, Carole Bordes a réalisé un travail sur la technique Mattox pour créer son spectacle Matt et Moi. Il s’agit dans cette œuvre, de jouer avec les différents éléments de la méthode, mais aussi de la déstructurer pour mieux en tirer l’essence.

https://vimeo.com/806134483

Circulation entre héritage et contemporanéité 

> Le langage du corps

Il est possible pour ces artistes chorégraphiques d’utiliser un vocabulaire dansé, ou du moins une expression corporelle pouvant exprimer les émotions souhaitées. Longtemps oubliée, ou du moins rattachée uniquement à la pédagogie, la terminologie en danse jazz est depuis quelques années perçue comme une source d’inspiration inépuisable. Vivien Visentin et Aurore Faurous, explorent cette possibilité depuis maintenant quelques années.

Hubert Petit-Phar, chorégraphe de la Cie la Mangrove et pédagogue jazz, défend une vision de dépassement du vocabulaire établi. La terminologie apparaît comme un socle possible pour développer  la créativité. À la condition de ne pas s’enfermer et de la relier à la notion de possible transformation et d’évolution. L’enjeu pour le chorégraphe réside dans sa capacité à révéler le potentiel poétique d’un pas de base¹². Observons, par exemple, le travail de Fosse qui a fait de la jazz hand, un élément expressif et poétique.

La tradition n’est pas un héritage que l’on reçoit en tant que tel, mais il s’agit d’un point de vue actuel et d’un regard porté sur le passé.

> L’improvisation : un processus originel

L’improvisation dans les danses jazz a une source différente qu’en danse contemporaine. Mais n’est-il pas question de penser l’improvisation au présent, comme un outil au service de la création ? Dans les danses afro-américaines qui constituent, en partie, les racines de la danse jazz, on observe que ces danses ont permis la liberté et le renouvellement : elles étaient centrées avant tout sur des processus et des états de corps en lien avec l’improvisation, véritable lieu de l’expérimentation corporelle. Cela a débouché sur un vocabulaire codifié, mais il y a toujours eu la notion intrinsèque de transformation et de développement.

Patricia Greenwood Karagozian aime traverser le travail d’improvisation en relation avec la musique afin de créer. C’est notamment ce qui a été réalisé dans Light Motif.

Marianne Isson poursuit un travail de fond autour de la pratique de l’improvisation.

> La relation musicale dans la création

Longtemps critiquée pour son attachement à la musique, les créateurs en danse jazz savent pourtant s’amuser des silences et apprécier leur musique intérieure. C’est le cas pour Anne-Marie Porras qui avoue créer dans un premier temps en écoutant la musique qui l’habite, comme une introspection. Elle ne travaillera qu’ensuite avec un musicien. Patricia Greenwood Karagozian quant à elle, n’a aucune peur d’inclure le silence au sein de sa partition chorégraphique afin de créer une rupture. Cela fait partie pour elle également des solutions créatives.

Aussi, si dans d’autres esthétiques la bande son est seulement un support, en danse jazz le danseur va venir ajouter sa propre proposition sur celles des musiciens, comme dans un réel orchestre. Ainsi, cela rend subtil les processus créatifs. Les moments collectifs et individuels où un des artistes va prendre le « lead » vont se succéder. Ceci est la réelle essence du jazz. C’est d’ailleurs ce que souhaite communiquer Patricia Greenwood Karagozian avec sa nouvelle création The Spirit of Swing¹³. Ceci pourrait être également une métaphore de notre société : l’individualisme dans une communauté qui ne cesse de chercher le vivre ensemble.

De même, des chorégraphes s’affranchissent des codes et gagnent en liberté dans leurs choix musicaux au sein de leur création. Lhacen Hamed Ben Bella s’appuie notamment sur des textes forts servant de bandes sonores, Alain Gruttadauria aime aller dans des sonorités plus rock.

La formation à la création : un vivier pour l’art chorégraphique jazz de demain 

> De l’éducation nationale…

Des cours de danse moderne jazz du mercredi après-midi en MJC, école privée ou conservatoire aux ateliers de danse au sein du milieu scolaire, beaucoup d’élèves auront traversé cette discipline. Parfois en ayant la liberté de pouvoir créer à leur guise. Les nouveaux programmes des lycées, de l’enseignement commun de l’Éducation physique et sportive (EPS), indiquent qu’il est nécessaire pour les élèves de traverser un processus de création durant leur scolarité. Cette expérience créatrice et esthétique, initiée dès le cycle 1, poursuivie au collège, devient un impératif au lycée. Tout comme dans les textes officiels encadrant l’enseignement artistique, la notion d’atelier de composition apparaît clairement.

> …à la formation professionnelle

Lors d’un entretien réalisé avec Françoise Dupuy en février 2022, dans le cadre de la recherche doctorale menée par Frédérique Seyve sur la transmission de la danse jazz, la chorégraphe et pédagogue déplorait le cloisonnement qu’il y avait entre pédagogie et création. Pour cette grande dame de la danse, tout venait de cette créativité y compris au sein du cours. Aussi, toujours au sein de cette même recherche – même si de nombreux professeurs ayant obtenu leurs diplômes d’État de 2000 à 2020, constatent le manque d’une dimension artistique dans la formation au diplôme d’État – la notion d’atelier émerge de plus en plus. Cette dernière est notamment amenée par les formateurs. Cela devient d’ailleurs un critère dans l’évaluation finale. Cette inclusion de la créativité au sein du cours de la formation au terrain, permettrait à l’élève de s’exprimer davantage mais aussi de valoriser le contenu pédagogique et artistique qu’il acquiert au fil du temps.

Cette mise en place de l’atelier au sein de la pédagogie – et donc de la dimension créative – questionne le cloisonnement qu’il peut y avoir entre les différentes activités de chorégraphe, danseur et professeur de danse. Un professeur de danse jazz n’est-t’il pas un peu des trois de part l’investissement corporel engagé dans ses cours et les différents projets artistiques proposés (spectacles de fin d’année, participation à des évènements collectifs, concours…) ?

Actuellement, le PSPBB¹⁴ propose depuis 2007 le DNSPD¹⁵ en danse jazz , seule formation publique en Europe pour la danse jazz. Ce cursus permet de créer un vivier d’interprètes avec un bagage jazz, mais aussi des créateurs contemporains (jazz).

> Étiquetage non obligatoire et contemporanéité assumée

Il est fondamental aujourd’hui de parler de la création en danse jazz. Non pas pour valoriser une certaine catégorisation et cloisonner les disciplines, mais simplement pour démontrer que la création existe au sein de cette esthétique. Que cette dernière est dotée comme n’importe quel autre de processus lui permettant de porter des propos avec une réelle portée poétique et artistique assumée.

Jacques Alberca, à l’honneur lors d’un week-end de Mémoires Vives organisé par Codajazz et le Centre National de la Danse de Pantin, affirme lors d’une conférence qu’il était professeur et formateur en danse jazz, mais qu’en tant que chorégraphe il était simplement lui-même avec quelque chose à dire et à porter. En effet, de par les formations pluridisciplinaires, la pratique accrue de la danse jazz (assumée ou non par certains chorégraphes contemporains), pouvons-nous nous interroger sur l’usage de cette esthétique au sein des compagnies dites contemporaines ? Est-ce que la danse jazz ne ferait pas partie de part son vocabulaire, de l’essence de certains processus créatifs contemporains ?

Peut-être que la solution réside dans la recherche d’un juste milieu entre le rejet total de l’appartenance à cette esthétique, devoir catégoriser et réprimer les artistes, et ne pas du tout reconnaître la danse jazz ? Il serait donc temps à la fois d’actualiser la connaissance de cette esthétique, de ses fonctionnements et de lui laisser le bénéfice du doute. Sans oublier de ne plus avoir peur de citer son nom quand elle fait partie d’un processus, et ce peu importe le contexte. L’humilité et la générosité de cette esthétique n’empêchent pas sa reconnaissance créative, surtout quand les processus de création en danse jazz sont utilisés sur les scènes françaises actuelles.

Un article écrit par Fréderique Seyve et Vivien Visentin pour Pop’Sciences – 10 novembre 2023.

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Notes

[1] Définition de « processus » – Larousse

[2] Écrivaine, critique et historienne de la danse, spécialisée en esthétique de la danse et des arts visuels et artiste chorégraphique. Son ouvrage, Poétique de la danse contemporaine est devenu une référence.

[3] Elle a écrit notamment Éléments du langage chorégraphique (Vigot, 1981) et est considérée comme une des principales figures de la danse moderne en France.

[4] Concept où le corps n’est pas une simple identité unique, mais davantage une pluralité de dimensions.

[5] Diplômé de la High School of Performing and Visual Arts de Houston, ce danseur, chorégraphe (créateur en 1983 des Ballets jazz Rick Odums) et professeur (Directeur de l’Institut de Formation Professionnelle Rick Odums jusqu’en 2023) reconnaît deux influences importantes dans sa formation, celles de Patsy Swayze et de Frank Hatchett.

[6] Elle reçoit sa formation en danse classique et jazz sous la tutelle de Matt Mattox.Elle danse pour sa compagnie Jazz Art qu’elle suit à Paris en 1975. Elle danse et/ou chorégraphie pour de nombreuses compagnies, notamment pour Les Ballets Jazz Rick Odums, Reney Deshauteurs et la Compagnie Off Jazz de Gianin Loringett.

[7] Centre Nationale de la Danse à Pantin.

[8] Danseur, chorégraphe, il aime travailler sur la relation avec le public et les danseurs mais aussi sur la croyance que le corps peut communiquer et à quelque chose à dire.

[9] Danseur et chorégraphe contemporain, issu de la nouvelle génération émergente des chorégraphes flamands. Son travail se base sur une physicalité importante. 

[10] Danseuse et chorégraphe en danse contemporaine, connue pour son travail de pédagogue et de chorégraphe avec les enfants et les adolescents au sein du Groupe Grenade. 

[11] A propos de la compagnie Calabash

[12] VISENTIN, V, Vocabulaire et créativité : pour un langage au service de la création, p.49.

[13] Soutenue par la DRAC Ile de France pour l’aide à la création en 2023.

[14] Pôle Supérieur d’enseignement artistique de Paris Boulogne Billancourt.

[15] Diplôme National Supérieur Professionnel de Danseur.

PPour aller plus loin

• Les autrices sur la composition chorégraphique 

> Poétique de la danse contemporaine – Laurence Louppe

> Outillage chorégraphique Manuel de composition – Karin Waehner

> Éléments du langage chorégraphique– Jacqueline Robinson

• Travail autour des Sœurs Brontë 

> Aide à la recherche et au patrimoine en danse 2010, Sylvie Duchesne

•  Dans le domaine de l’éducation nationale

> Revue AEEPS « Enseigner L’EPS 288«  – Septembre 2022.

> Sandrine Beulaigne et Cédric Préhaut, paru sous le titre :  Processus de création artistique ; Mobiliser par CONTRAINTES / Réguler par CONTRASTES

• Des danses jazz aux danses hip-hop, il n’y a qu’un pas (de Charleston) : des racines communes pour des inspirations chorégraphiques multiples –  Camille Thomas Konaté et Frédérique Seyve, Laboratoire Passages Arts & Littératures (XX-XXI) – 1^er mars 2023